| Galerias
de arte -Exposiciones Nacionales
Mosto Y Rojas Arte
Catálogo de obras y exposiciones
de
artistas argentinos.
Art Melange de Souza
Colección de obras de pintores
argentinos
Arte Latinoamericano
Muestras y colecciones de arte
Arte
on-line, Salta
Galería de arte contemporáneo
argentino.
Arte
RH
Salas virtuales de exposición
Espacio 10 Arte
Muestra de óleos, pintura sobre seda,
acuarelas, grabado,
Galería de arte Arroyo
Presentación, trastienda, calendario y
exposiciones.
Galería de la Recoleta
Ubicación y calendario de la galería,
descripción y muestra
Galería Rubbers
Exposición de pinturas.
Laura Haber
Exposición de obras de artistas
argentinos e internacionales.
Martin, Roberto
Les presenta un selección de obras de
arte contemporáneo.
Mosto & Rojas Arte
Galería virtual de arte argentino
contemporáneo.
Renoir Galería de Arte
Venta obras de maestros de la pintura
argentina y uruguaya.
Ruth Benzacar
Información y exposiciones.
Suipacha Galería de Arte
Exposiciones de artistas contemporáneos
y maestros de la
pintura argentina,
Volpe Stessens
Galería de arte con concurso
Museo
Molina Campos ( Ciudad de Moreno)
Otros
lugares de interes cultural
Vida y Obra de Artistas Plasticos nacionales
Esta pagina esta
abierta a todos los colegas medicos ,
pintores o con
inquietudes por la pintura, para que nos envien
sus datos
personales con un resumen de sus obras
Agostinelli,
Claudio Marcelo Muestra de su pintura acrílica.
Alexandre, Diego -
Galería de sus obras.
Alio,
Guillermo - Exposición titulada Tango y su curriculum vitae.
Arai,
Sachi - Biografía y muestras d obras de esta artista mexicana.
Arce,
Martiniano - Galería virtual de obras comentarios y biografía.
Arguelles
Alonso, Alejandro Daniel - Dibujos y pinturas
Arrate,
Herminia - Reseña biográfica, trayectoria,muestras de obras.
Ávalos,
Leonardo - Muestra de sus obras de arte contemporáneo.
Berti, Alicia -
Ejemplares de sus obras.
Blasbalg,
Silvana - Una muestra de grabados y su curriculum.
Bobbio, María teresa - Pintura
naif por la artista argentina.
Calvella Bianchi, Agustín -
Muestra de la obra del pintor argentina
Campanella, Vito - Obras y
curriculum del artista.
Canavessi,
Susana - Biografía y muestras de pintura figurativa al óleo.
Cejrowska,
Claudia - Currículum y muestra de las pinturas
Costas,
Alejandro - Obras, críticas y exposiciones
Cruzate,
Manu - Pinturas, dibujos y fotos
Culasso,
Analia Silvia Curriculum y muestras en acrílico sobre tela.
De Aubeyzon,
Javier - Pinturas de paisajes urbanos contemporáneo.
de Benito, Mariana
- Muestra de acrílicos, óleos y técnicas mixtas sobre tela y madera.
Deyá,
Sebastián - Muestra de sus obras y síntesis biográfica.
Diehl, Silvia
- Curriculum y muestras de obras en acrílico sobre tela.
Dumit,
Ernesto - Trayectoria, dibujos y galerías de caras y de arte surrealista.
Etchart, Sonia - Especialista en
acrílico, lista de sus exposiciones.
Etchichury,
Marilina - Bibliografía y exposición de sus pinturas al óleo, acrílicas y pastel.
Fasce,
Nilda - Obra de la artista y biografía.
Fernández,
Berta - Óleos y acrílicos.
Ferraro, Osvaldo -
Curriculum y muestra de sus obras.
Ferreyra, Ivana - Currículum
y galería de obras
Frasca, Jorge Curriculum y Muestra de
pinturas de los campos argentino
Gallardo, Mónica - Exposición titulada Imagenes de
la Mancha,
Garcia,
Cecilia - Muestra de pinturas y chat para comentar las obras.
Gerasimon,
Peter - Obras en oleo de escenas cotidianas en Australia.
Gianetto,
Daniela - Exposición de las obras de la artista
Gurlekian, Toros
-
Houghton,
Marcelo - Pinturas y dibujos de este artista argentino.
Itrat,
Marilyn - Exposiciones de la artista argentina dedicada a la pintura naif.
Kofman, Fabiana - acuarelas,
acrílicos y arte digital.
Kosice, Gyula
- Algunas de sus obras y trabajos más famosos.
Kozel, Ana -
Curriculum y muestras de sus obras.
Lapuente,
Elena - Ejemplos de sus obras en pintura, dibujo, grabado y ceramica.
López Pissana, Raúl -
Biografía y obras de este pintor argentino.
Marcellux - Muestra de sus
obras hechas con acrílicos.
Merida,
Edi - Muestras realizadas y trayectoria
Modeia, Laura -
Pinturas, dibujos, imágenes digitales y naipes.
Muro,
Tam - Artista plástico y diseñador
selección de sus obras y currículum.
Novelletto,
César - Muestra de las obras del impresionista argentino, oleos de
marinas boquenses y paisajes de Italia.
Ocampo,
Susana - Fotos de sus cuadros de estilo contemporáneo.
Partnoy, Raquel -
Biografía, notas y muestra de obras
Pérez,
Tito - Dibujos y pinturas del artista plástico argentino.
Picasso,
Isabel - Obras y currículum de esta artista argentina.
Poj, Liliana
- Su obra y curriculum.
Puy, Alicia - Presenta sus
retratos al óleo.
Rajadell,
Jorge - Obra pictórica realista.
Revol Nuñez,
Cecilia - Curriculum y muestras de obras al óleo
Rodríguez,
Diego - Ejemplos de sus pinturas y curriculum
Ruderman, Beatríz - Les
presenta sus obras y su curriculum vitae.
Ruíz,
Eduardo - Galería virtual de su obra y currículum.
Sala, Pilar
- Breve reseña de esta pintora del estilo naif
Semino,
Esteban - Biografía, muestras de sus obras
Sidi,
Stella - Presenta sus obras y antecedentes.
Tettamanti,
María Laura - Muestra de los últimos años sobre tela o
cartón, acrílicos u óleos.
Ungaro Francisco - Brinda
ejemplares de sus obras y curriculum vitae.
Zaefferer, Adriana
- Pintora argentina de caballos, sus obras, notas de prensa e historia.
Impresionismo
Indice
1. Introducción
2. Principales exponentes del impresionismo
3. Principales exponentes del neo impresionismo
4. Japonismo
5. Arte gótico
6. Arquitectura
7. Edgar Degas
8. Rembrandt Harmenzoon Van Ryn
1. Introducción
El impresionismo es un movimiento pictórico del siglo XIX que
posteriormente dio nacimiento al arte moderno . Los impresionistas abandonaron los métodos
de composición, el dibujo y la perspectiva tradicionales para pintar en forma más
espontanea y captar la esencia de un momento particular. El objetivo de los artistas era
lograr mayor naturalismo, y preferían pintar al aire libre, donde se fascinaban anta la
luz y el color cambiantes. A menudo utilizaban colores primarios y pequeñas pinceladas
para simular la luz reflejada. Los artistas que exhibieron en las ocho exposiciones
impresionistas de 1874 a 1886 fueron: Claude Monet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Auguste
Renoir y Alfred Sisley.
El movimiento toma su nombre de un cuadro de Monet
titulado: "IMPRESIÓN" que representa un sol naciente, esta corriente se
manifiesta al tratar de rescatar las técnicas de los grandes maestros de las escuelas
anteriores, inclinándolos a comprender y ejecutar no la realidad misma sino la impresión
que esta produce. Con esto se intentó liberar al artista del riguroso racionalismo del
siglo anterior. En la música se considera a Debussy como el creador del impresionismo, el
impresionismo literario fue iniciado por los hermanos Goncourt en Francia.
Es una reacción contra la frialdad académica y el
sentimentalismo romántico, es un tipo de realismo que se esfuerza por traducir la visión
inmediata del artista despojada de menudencias y preciosismos, busca destacar el carácter
del ser o del paisaje. A la evolución del impresionismo lograda por Cezanne se le conoce
como Neoimpresionismo.
Algunas de las características de esta corriente
son: sus cultores dedicaron extraordinaria atención al uso de la luz, ya que su teoría
supone que el color de un objeto depende ante todo de la manera en que la recibe, de su
intensidad y de la refracción de los tonos vecinos. En lugar de mezclar los colores
primarios en la paleta los ponían yuxtapuestos sobre la tela, trabajando con golpes de
pincel, sin detalles ni contornos precisos, los temas eran de preferencia una emotiva
evocación de la vida contemporánea.
2. Principales exponentes
del impresionismo
Claude Monet.- es el iniciador del impresionismo,
manifestándose su peculiar estilo principalmente en sus audaces y originales paisajes de
sorprendente veracidad, por ejemplo: La playa de Saint Andresse, La fuente de Argenteuil y
la Catedral de Ruan por la mañana. Fue influido principalmente por Manet y por el
japonismo, en 1890 se dedicó a crear un jardín acuático de inspiración japonesa en su
casa de Giverny, después se concentró en pintar series de cuadros del mismo tema visto a
diferentes horas del día, como: Almiares, Chopos y Nenúfares, en 1916 pintó una serie
de Nenúfares para el gobierno francés, y son estos lienzos, llenos de vibrantes pozos de
color casi carentes de forma la obra fundamental del impresionismo.
Eduard Manet.- Pintor realista que se convirtió al
impresionismo, de inspiración goyesca, sus obras provocaron siempre un escándalo en las
exposiciones. Es considerado el precursor del impresionismo, fue un pintor académico de
influencia tradicional, que se sintió agraviado por considerársele el cabecilla de los
impresionistas. Desarrolló un estilo que dependía de la oposición entre la luz y la
sombra, con un medio tono tan leve como fuera posible. Evitó idealizar a sus modelos y
pintó minuciosos estudios preliminares, esta técnica dio a su obra inmediatez y
frescura, pero desencadeno mordaces ataques de los críticos. Una de las famosas obras de
Manet es el "Almuerzo campestre", que retrata a las mujeres desnudas en un día
de campo acompañadas de dos hombres totalmente vestidos y es la obra que se cree produjo
el nacimiento del impresionismo.
Edgar Degas.- Sus primeros cuadros son de temas
históricos y retratos, pero en donde alcanza sus más connotados triunfos es en la
representación tan original que hace de las escenas con las bailarinas de ballet, de
mujeres jóvenes bañándose y de los espectáculos de los Cafes-concerts. Le interesó
sobretodo, describir el movimiento y en muchos casos utilizó la técnica del pastel para
crear dibujos de gran fluidez y viveza.
Camille Pissarro .- Aunque nació en las Antillas se
trasladó a París siendo aun muy joven, a menudo adaptó el arte de sus contemporáneos
en sus propias pinturas, como el Puntillismo de Georges Seurat. Destacan entre sus obras
"La carreta de Louveciennes" y Sol de primavera en el prado de Érangy.
Henri
Toulouse-Lautrec.- Famoso por sus pinturas de
los bajos fondos parisinos y sus atrevidos diseños de carteles. Se piensa que no
perteneció realmente a ningún movimiento artístico en particular, aunque Degas y el
japonismo influyen de manera sobresaliente en su obra. Sus temas preferidos: prostitutas,
bailarinas y escenas de café, con gran conocimiento y soltura, se interesó menos en la
luz o el color y más en la forma y el movimiento, que reproducía con líneas vigorosas y
enormes áreas de color mate. Entre sus obras destacan Jeanne Avril bailando, En el salón
de la Calle de los Molinos, En el Molino Rojo.
Pierre Auguste Renoir.- Artista que supo a pesar de
las múltiples influencias crearse una personalidad propia captando en sus obras la
alegría de vivir expresada en vivaces colores. El empleo sensual de la luz y el color,
los voluptuosos desnudos de sus obras tardías y la vitalidad y la calidez de su estilo
hacen que sea el más apreciado de los impresionistas, en sus primeras pinturas retrató
escenas claras, soleadas, con destellos de luz sobre el agua y gente en las riberas de los
ríos o en festejos. Poco a poco utilizó tonos más claros y sus pinturas se integraban
cada vez más de luz y sombra. Algunas de sus obras famosas son: El palco del teatro y El
molino de la Galette.
3. Principales exponentes
del neo impresionismo
Paul Cezanne.- empezó pintando figuras, naturalezas
muertas y composiciones de un exaltado romanticismo, sus obras desiguales son de una
belleza definitiva. Manejaba el color y la tonalidad como un conjunto y no de manera
independiente. Las ideas posteriores de Cezanne de que las formas podían reducirse a
conos, esferas y cilindros propiciaron de manera directa el desarrollo del Cubismo y
del Arte Abstracto. Entre sus trabajos más celebres destaca "Los Jugadores de
Cartas."
Paul Gauguin.- Ligado al grupo simbólico y a los
Nabis (profetas). Evoca en sus cuadros el primitivismo inocente, no como era, sino como
él hubiera deseado que fuera. Al vivir en Tahití desarrolló un estilo propio de
simbolismo imaginativo que utilizó colores muy brillantes, así como formas sencillas y
planas en vez de imágenes distorsionadas. Algunas de sus obras más importantes son: La
visión después del sermón y Vairumati.
Vincent Van Gogh.- Sus pinturas expresan su estado
de animo describiéndolo como un ser atormentado, retraído y solitario. Aunque se vio
influido por los coloridos mate del japonismo, se puede decir que fue autodidacta.
Después de su viaje a Parias empieza a utilizar colores vivos y a experimentar pinceladas
diferentes. En las cartas a su hermano transmite la emoción y la tensión que causa
utilizar la pintura para expresar exactamente lo que sentía. Su obra ejerció una gran
influencia sobre el simbolismo, el fauvismo, el expresionismo, y el surrealismo, además
allanó el camino para el arte abstracto.
4. Japonismo
Influencia del arte japonés en Europa a mediados
del siglo XIX. Las formas simplificadas, las áreas planas de colores y la perspectiva
poco común de las estampas japonesas, sobre todo las del experto Hokusai (1760-1849)
ejercieron gran influencia en artistas impresionistas como James Abott McNeill Whistler y
Vincent Van Gogh, así como en los posteriores exponentes del ART NOUVEAU.
Algunos autores consideran que fue Manet quien
introdujo las técnicas japonesas en el impresionismo, ya que fue él precisamente quién
manifestó en muchas de sus pinturas el conocimiento profundo que poseía sobre la línea
simple, principal característica de las estampas japonesas.
5. Arte gótico
Floreció en la Europa medieval, desde el siglo XII
hasta el Renacimiento, y que alcanzó su máxima expresión en la arquitectura. La pintura
gótica se vio reducida a retablos, debido a la proliferación de luminosos vitrales; la
figura humana se representó con rostros de proporciones delicadas, aunque a veces
incurrían en lo caricaturesco. En el retrato el dibujo tuvo un lugar central, aunque la
luz y el color también jugaron un papel importante.
Se distingue, la arquitectura gótica, por su arco
ojival, la bóveda nervada, el contrafuerte y las elevadas catedrales de enormes
ventanales. El término gótico se acuño durante el Renacimiento, así era como los
arquitectos renacentistas se burlaban de sus antecesores, comparándolos con los
bárbaros.
Algunas de las causas que influyeron en el
desarrollo del arte gótico son:
- El cambio político.- experimentado por las ciudades europeas al
liberarse del poder feudal, dando origen al desarrollo de la vida municipal por el
nacimiento de corporaciones obreras y mercantiles que fueron el alma de la sociedad de
aquella época.
- Las cruzadas.- trajeron un afán por crear nuevas formas.
- Vida eclesiastica del siglo XII.- colocó en primer lugar los
sentimientos religiosos, saturando el espíritu de los artesanos con fe cristiana.
El arte gótico cuenta con tres períodos:
- Periodo primitivo.- llamado también lanceolado se caracteriza por la
robustez de sus construcciones que todavía guardan formas de las románicas.
- Periodo de plenitud.- llamado también radiante caracterizado por la
esbeltez de sus formas, ligeras y elegantes, así como su riqueza ornamental.
- Periodo de decadencia.- también conocido como gótico flamígero
cuya caracteristica principal es su cargada ornamentación, por lo que las construcciones
pierden su armonía. Además se observa su predilección por naves de igual altura.
6. Arquitectura
Si el estilo románico fue una creación de los
monjes, el arte gótico lo fue de los laicos, el maestro de obras dirige y vigila todo,
enseña técnicas a los picapedreros, inventa modelos, conoce los principios fundamentales
de la arquitectura, la utilidad construccional, la ley de las proporciones y hasta sabe
recetas medicinales para curar a sus obreros, es un hombre universal. Los obreros
formaban corporaciones que los mantienen íntimamente unidos gracias a su fe, formando un
grupo profundamente cristiano.
Esta arquitectura se caracteriza ante todo por la
cruceria ojival, es decir, por dos nervaciones salientes destinadas a sostenes la bóveda,
estas nervaciones las forman dos arcos en forma de punta de lanza que se cruzan formando
la boveda de cruceria.
la planta de la iglesia conserva lo esencial de la
basílica romana, por lo que se refiere a la distribución de los espacios, generalmente
se halla dividida en 3 naves orientadas de poniente a oriente, con un crucero, el coro y
un vestibulo. el coro se dispuso de forma poligonal, y en los grandes monumentos se
aumentó un deambulatorio o girola que son naves laterales que rodean a la capilla mayor.
Comparando estas construcciones con las románicas
podemos decir que: la cripta desapareció, las torres redujeron su número, sobre el
tabernaculo se observa una linterna de madera ricamente adornada, el pilar románico se
cambia por columnillas, el capitel cubico se substituye por una ligero en forma de capullo
o de cesta ricamente adornada.
Las construcciones góticas más destacadas son:
Francia
- Catedral Saint Remy de Reims
- Capilla Notre Dame de Vaux
- Capilla Chalons-sur-Marne
- Catedral Notre Dame de París
- Catedral Chartres
- Catedral Amiens
Inglaterra
- Abadía de Wetminster
- Catedral de Salisbury
- Catedral de York
- Catedral de Lincoln
Paises Bajos
- Catedral de Santa Gudula en Bruselas
- Edificio del ayuntamiento de Lovaina
- Edificio del Consejo de Bruselas
Italia
- Catedral de Milán
- Palacio de los Dogos
- Catedral de Siena
- Catedral de San Petronio en Bolonia
Alemania
- Iglesia de Santa Isabel de Marburg
- Catedral de Estrasburgo
- Catedral de Colonia
- Iglesia de Santa Catalina de Oppenheim
España
- Monasterio de Santo Tomás de Ávila
- Catedral de Sevilla
- Catedral de Barcelona
- Catedral de Huesca
El arte gótico se dice, posee toda la enseñanza de
los saberes cristianos de aquella época, Fulcanelli asegura que es la fuente de
conocimientos alquímicos más importante en la historia de la humanidad, entendiendo por
alquimia, no el manejo de sustancias orgánicas para obtener la piedra filosofal, sino el
manejo del alma y el espíritu para el logro de la elevación espiritual, el alcanzar la
ataraxia.
7. Edgar Degas
Nace en 1834, en Francia, es hijo de un acaudalado
banquero, comenzó a cursar la carrera de abogado, pero pronto abandonó sus estudios para
dedicarse a la pintura, ingresó en la escuela de Bellas Artes de París y luego viajó
por Italia copiando a los viejos maestros. Su amistad con los pintores impresionistas lo
llevó a ejecutar una serie de obras en las que utilizó como modelos las carreras de
caballos y los escenarios de teatros, las obras más conocidas de Degas son sus bailarinas
y sus desnudos.
Su amor por el dibujo y por la composición, hizo
que muchas veces se opusiera a los cánones de los pintores impresionistas. Empieza a
perder la vista y sólo se dedica a hacer estatuas de yeso, muere en 1917.
8. Rembrandt Harmenzoon Van
Ryn
Pintor y grabador holandés, nace en Leyden en 1606,
es hijo de un acomodado molinero, ingresó en la universidad de su ciudad natal, pero
abandonó sus estudios para seguir la cerrera del arte, estudió pintura durante 3 años
en los talleres de los maestros Swanenburch, de Leyden y Lastman, de Amsterdem. A los 15
años pintó su primer cuadro importante, entre 1626 y 1631 vivió en su ciudad natal y se
dedicó a pintar y a dibujar a la gente que lo rodeaba, con frecuencia utilizó de modelos
a su madre y hermanas. En 1634 contrajo nupcias con Saskia Van Uylenborch, muchacha de
rica familia que trajo al matrimonio una dote de 40 000 guilders, y además dio al pintor
4 hijos, de los cuales 3 murieron siendo aún niños, en 1642 muere Saskia y Rembrandt se
queda sólo con su hijo Tito de 1 año de edad.
En 1656 se casó con Hendrickje Stoffels, con quien
2 años antes había tenido una hija. Por los problemas económicos que le causaba su
afición a comprar objetos artísticos, tuvo que vender todo lo que poseía para pagar a
los acreedores. Y curiosamente parecía que mientras más pobre era, más se acrecentaban
sus capacidades artísticas. El último período de su vida transcurre en el desván de un
arrabal de Amsterdam, finalmente murió en 1669 en completa miseria. Entre sus cuadros
más importantes figuran: Susana en el baño, Pilatos lavándose las manos, Ecce Homo, La
lección de anatomía del Dr. Tulp, La compañía del Capitán Cocq en marcha
 Home
Historia Del
Arte
Vincent
Van Gogh y
Paul Gaughin
Impresionismo
En 1874, un grupo de artistas organizo en Paris una exposicion
independiente de cuadros, en un intento deliberado de conseguir para sus obras una salida
al margen del salon oficial. Uno de los participantes, Claude Monet, expuso un cuadro que
llevaba por titulo Impresión: Amanecer ; varias reseñas de la exposicion
escogieron este titulo por considerar que reflejaba la caracteristica predominante de las
obras alli expuestas, y un critico, Louis Lorey, titulo su reseña "La exposicion de
los impresionistas". Si bien ninguno de los artistas empleaba de buen grado el nombre
-se empleaba para describir cuadros de tipos muy diversos-, la denominacion hizo fortuna,
y lo que habia nacido como una ocurrencia de la critica se transformo en el nombre de uno
de los movimientos artisticos mas mas significativos de las postrimerias del siglo XIX.
Después de exponer "Impresión, amanecer" , Monet, fue el blanco de los
críticos y el líder teórico del grupo que, como él, se preocupaba por transmitir su
impresión. Definió las reglas de la nueva corriente.
Característica de su técnica, "Impresión, amanecer" muestra un conjunto de
manchas cálidas donde destaca la luz mas intensa del sol mientras a penas se sugieren
algunas siluetas de barcas.
Resulta imposible encontrar una definicion para abarcar la gama de cuadros que suelen
describirse con el termino "impresionismo"; sin embargo, el paisaje
impresionista por excelencia tine ciertas caracteristicas identificables: es de tamaño
relativamente pequeño e irregular en cuanto a la composicion, y por lo genreal en su
mayor parte se realizaba al aire libre; sus colores son casi siempre brillantes y
contrastantes, la pincelada libre e intuitiva. La discusion de estos factores, unida a una
consideracion del impresionismo dentro de sus contexto historico y sobre el fondo del
ambiente intelectual y social, nos puede llevar a definir la naturaleza y al alcance
genuinos de este movimiento.
El impresionismo se presenta como una prolongación del realismo. Nace bajo su influencia
y adopta, como él, los temas de la vida cotidiana. Se situa en la cumbre de los estudios
pictóricos sobre la luz que se vienen llevando a cabo desde el renacimiento, y propone
cuadros luminosos en antitesis con los sepias consagrados por la tradición.
- Los realistas mostraban aspectos serios de la sociedad. Los
impresionistas lo hacen pocas veces aúnque magistralmente como en este cuadro de
Caillebotte donde se estudia el trabajo de los carpinteros. Prefieren enfocar los momentos
gratos de la vida como son los placeres: jardines, fiestas, restaurantes, paseos,
baños...
- La luz, alegre o agobiante, domina sus cuadros gracias al culto a los
reflejos (agua, espejos), a la abundancia de colores claros y brillantes y a la casi
ausencia de negros: fieles a los descubrimientos de Constable, trabajan a fuera cuando el
tema lo requiere, y pintan las sombras a todo color. Como él, también tratan de capturar
"el momento".
- Estimulados por la ciencia, escogen no mezclar los colores en la
paleta dejando el trabajo de fusión al ojo del espectador: usan colores puros que aplican
uno al lado del otro en pequeñas pinceladas.
- El resultado afecta la definición de las formas. Estas tienden a una
desintegración que la burguesía contemporánea resiente como un ataque a sus valores.
- La cercanía de la cámara fotográfica, por otro lado, justifica el
esfuerzo de los impresionistas para salirse del estrecho marco de la representación a la
vez que les abre nuevas...perspectivas: como ella, los pintores impresionistas buscan
ángulos nuevos para capturar la vida, especialmente el espectáculo de la ciudad.
- El impresionismo solo pretende transmitir la impresión del pintor.
Es por lo tanto subjetivo, a la diferencia del realismo.
Contemporaneo de descubrimientos sobre el color y la visión, cambia
los paradigmas tradicionales de la pintura respecto a ellos. Contemporaneo también de las
primeras fotografías, questiona la importancia de la representación, las poses y la
composición tradicional. Ademas, es marcado por la difusión de las estampas japonesas y
por la economía que estas manejan en su tratamiento de la figura.
El impresionismo se manifiesta escasamente en la literatura y en la música. En cuanto a
las artes figurativas, no se conoce una arquitectura impresionista y fuera de la figura
asombrosa de Rodin o de la, menos famosa, del italiano Medardo Rosso, resulta difícil
hablar de escultores impresionistas. El impresionismo se revela primeramente en la
pintura.
Los pintores son numerosos y prolijos. Aúnque París sea la capital artística del fin de
siglo, brillan también nombres extranjeros entre los de los innovadores y esto permite la
exportación del movimiento. Otro aspecto importante: la fuerza de la corriente no logra
ahogar el individualismo de los artistas.
Se consideran generalmente como iniciadores Manet y Monet.
Los siguen, entre otros,
- Renoir,
- Degas y
- Toulouse Lautrec.
Eslabones hacía el futuro, vienen finalmente Seurat y Sisley, los
puntillistas, y
- Cezanne,
- Gauguin y
- Van Gogh.
Home
Vincent Van Gogh
Un Sitio
formidable para conocer toda la vida y obra de VanGogh
en www.VanGoghgallery.com
El artista holandés Vincent van Gogh es actualmente uno de los
pintores más conocidos del mundo, pero gran parte de su fama se debe a su trágica vida y
a la carga dramática que posee su corta carrera. Su obra, su personalidad y
sus inquietudes intelectuales, claramente visibles en sus más de 600 cartas que se
conservan, exigen, sin embargo, un análisis más profundo. Fue un hombre muy inteligente,
sensible y de gran personalidad, ávido lector de libros de literatura de la época,
filosofia e historia y enterado de las interesantes corrientes artísticas y sociales del
siglo XIX.
Antes de morir, a la edad de treinta y siete años, la vida de Van Gogh se había centrado
en tres puntos: la religión, el arte y la literatura. Había nacido en Zundert (Holanda).
Su padre era pastor evangelista y entre sus tíos había marchantes de arte, almirantes y
libreros.Empezó a trabajar en 1869, a los dieciséis años de edad, en la galería de
arte que su familia poseía en La Haya; la galería se había asociado con una compañía
francesa y era conocida como Goupil et Cie. A Vincent le gustaba el trabajo en ella, pues
ya se sentía absorbido por el arte. Su primer contacto con él se produjo
desde la óptica del marchante y crítico aficionado, y su juicio era agudo y certero. Le
gustaban los pintores holandeses del siglo XVII, como Rembrandt, Hals y Jacob Ruisdael, y
los paisajistas franceses de la Escuela de Barbizon, como Millet, Rousseau y Dupré.
También apoyó a la recientemente creada Escuela de La Haya, forrnada por varios artistas
holandeses, a muchos de los cuales llegó a conocer personalmente durante su estancia en
La Haya de 1869 a 1873. Su gusto y admiración por estos artistas no cambió en toda su
vida. En 1888 escribió a su amigo, el artista Emile Bemard: «Cuando visito el Louvre,
cosa que sigo haciendo, con gran emoción voy, antes que nada, a ver los cuadros de los
holandeses, especialmente los de Rembrandt».
Van Gogh trabajó para Goupil et Cie. en Londres (1873-75) y París (1875-76),
pero sufrió una depresión tras una desafortunada experiencia con la hija de su patrona
londinense, y en abril de 1876 acabó siendo despedido de la compañía. Entonces se hizo
paulatinamente más profundamente religioso y se dedicó a leer la Biblia con asiduidad.
En 1877 trabajó durante varios meses para un librero de Dordrecht. Su amor por la
literatura se traducía en sus variadas lecturas y en sus amplios gustos.
Admiraba, entre otros, autores como el historiador francés Michelet, novelistas como
Zola, los herrnanos Goncourt y Maupassant y escritores ingleses como George Eliot, Dickens
y Carlyle. Posteriorrnente introdujo sus libros preferidos en sus cuadros. Así, en el
retrato del Dr. Gachet el retratado apoya su hombro en dos novelas de los herrnanos
Goncourt, Germinie Lacertueux y Manette Salomon. Los libros también inspiraron
directamente su pintura: el cuadro titulado La Berceuse, es decir, la acunadora, en
que aparece madame Roulin, la mujer del cañero de Aries, fue pintado después de que
Vincent leyera la obra de Píeme Loti Pécheurs d'lslande (Pescadores de Islandia) y
sintiera que los marinos podían agradecer en alta mar la contemplación de una imagen del
cariño materno, como era ésta.
A finales de los años 70, la religiosidad de Van Gogh se fue agudizando. Pasó nueve
meses en Inglaterra colaborando con los metodistas, y llegó a escribir y pronunciar un
largo sermón. A mediados de 1877 decidió seguir los pasos de su padre e ingresar en la
Iglesia evangélica. Con este fin estudió en Amsterdam y Bruselas, y en el mes de
noviembre de ese mismo año fue de prueba como evangelizador a una región minera de
Bélgica asolada por la miseria, el Borinage. Fue una época trascendental para Van Gogh,
que vivió la práctica del Evangelio, dedicándose por entero a los mineros, cuidándoles
cuando resultaban heridos en una explosión en una mina, despreocupado de la ropa, la
comida y otros asuntos terrenales. Pero su voluntad de llevar a la práctica al pie de la
letra los mandatos del Evangelio chocó con las altas jerarquías eclesiásticas. Su
comportamiento contradecía las convenciones aceptadas en su clase y actividad, y fue
expulsado del estamento religioso. Van Gogh renegó de la hipocresía del alto clero y de
las llamadas «personas respetables». Pronto seña rechazado de nuevo por vivir demasiado
de acuerdo con sus ideas religiosas: en efecto, en La Haya muchos artistas le dieron la
espalda por dar cobijo a una mujer abandonada y desamparada. En 1884, en Nuenen, su
amistad con Margot Begerman fue objeto de tales habladurías, que ésta intentó
suicidarse. Por eso escribió a su hermano Theo:
«Por el amor del cielo, ¿qué sentido y significado tiene la absurda religión que
profesa la gente respetable? Resultan totalmente absurdos, conviniendo a la sociedad en
una especie de manicomio, en el que todo está patas arriba...»
A los veintiséis años, Van Gogh había realizado ya varios trabajos y en todos había
fracasado. Vagó entonces por el Borinage totalmente desesperado, como cuenta a Theo en
una carta emocionante escrita en el mes de julio de 1880. Todo lo que le interesaba se fue
concentrando entonces en una sola actividad: el arte. Se centró en el arte que conocía
(Rembrandt, Delacroix, Millet) y en los libros de Dickens, Victor Hugo y Michelet.
Escribió por entonces:
«Hay algo de Rembrandt en Shakespeare... de Delacroix en Victor Hugo; y hay algo de
Rembrandt en los Evangelios, o algo de los Evangelios en Rembrandt.»
Durante sus paseos por el Borinage, Van Gogh había intentado llegar hasta Courriéres
para visitar a un artista al que admiraba, Jules Breton. Veamos cómo describe el momento
en que tomó la decisión:
«Pues bien, incluso sintiéndome profundamente miserable, recuperé algo de la energía
perdida y me dije: a pesar de todo, volveré a trabajar, a coger el pincel, que he
abandonado por el gran desaliento que noto en mí, y seguiré dibujando. A partir de ese
momento tenía la sensación de que todo había cambiado.»
Van Gogh había dibujado antes de 1880. En su juventud había realizado bonitos dibujos,
fundamentalmente copias de grabados. También había hecho pequeños apuntes y caricaturas
para una niña de La Haya en 1872 y 73. Nos ha dejado imágenes de la mayor parte de las
casas en que vivió. Al volver a coger el pincel, tenía las ideas más claras sobre lo
que quería hacer: deseaba realizar dibujos de gente trabajando en un estilo crudo,
adecuado al tema de las obras, que expresara sus sentimientos sobre «la gente»: primero
los mineros, después los tejedores y, por último, los campesinos de Brabante y Provenza.
A partir de este momento su carrera se divide en períodos dominados por los lugares en
que vivió: Etten en 1880, La Haya en 1881 a 1883, Drenthe en 1883, Nuenen en 1883 a 1885,
Amberes de 1885 a 1886, París de 1886 a 1888, Aries en 1888, St. Remy en 1889 y 90, y
Auvers en 1890. Durante la primera mitad de su carrera artística vivió en Holanda, donde
desarrolló un estilo personal dentro de la línea de la Escuela de La Haya. Seña un
error olvidar las primeras obras de su corta carrera. Los colores sombríos, las espesas
capas de pintura y el gusto por la representación de campesinos en sus cabañas o
trabajando en los campos recuerdan las pinturas de Josef Israels (1824-1911) y Anton Mauve
(1838-88).
Mauve estaba emparentado con Van Gogh por matrimonio y se habían hecho muy amigos.
Vincent le pidió consejo y apoyo cuando decidió ser artista. Mauve fue su único maestro
en el sentido estricto de la palabra: Van Gogh siempre le estuvo agradecido. Cuando se
enteró de su muerte, acaecida en 1888, Vicent escribió en uno de sus mejores cuadros, un
árbol brotando de nuevo al llegar la primavera: «Souvenir de Mauve», y lo envió a su
viuda. En esa época se sintió atraído por la pintura de figuras, ya que pensaba que la
manifestación más alta del arte modemo era la representación de los campesinos en
acción. Algunos de sus mejores dibujos están inspirados en los hombres y mujeres de
Nuenen captados en sus faenas agrícolas. Entre los cuadros de estos años destacan Los
comedores de patatas, en el que se ve a una familia reunida alrededor de una mesa a la
tenue luz de su vieja lámpara de petróleo, comiendo las patatas que han cultivado y
recolectado. El tema había sido tratado ya por otros artistas holandeses de la época
bajo los títulos de «La comida frugal» o «Comedores de patatas» ; a Josef Israels le
gustaba especialmente este asunto. El cuadro de Van Gogh carece, sin embargo, de todo
sentimentalismo, carácter anecdótico o comentario social evidente. La pincelada es
vigorosa, los colores sombríos, y la pintura refleja el sincero aprecio que Van Gogh
sentía por estos campesinos. Era consciente de que su forma de vida iba siendo minada por
la industrialización, que acababa con la existencia sencilla que hasta entonces el hombre
había llevado en contacto directo con la naturaleza.
Van Gogh se sentía, sin embargo, aislado en el campo, lejos de otros artistas, y por eso
se matriculó en una academia de dibujo de Amberes. Pero, repentinamente, decidió
trasladarse a París, y envió a Theo esta nota: «Querido Theo, no te enfades conmigo por
actuar tan precipitadamente... Estaré en el Louvre a partir del mediodía o antes, si
así lo deseas».
En París estaban surgiendo nuevas ideas y movimientos, y esto excitaba la imaginación de
cualquier artista joven. Van Gogh pudo ver la exposición de los impresionistas, los
Salones anuales, la exposición del nuevo Salón Nacional, una retrospectiva de su artista
preferido, Millet, exposiciones de Monet y Renoir en la galería Petit y obras simbolistas
de Gustave Moreau y Odilon Redon. Frecuentó el estudio del renombrado pintor Ferdinand
Cormon, y allí conoció a Henri de Toulouse-Lautrec. La obra de los colores eran
brillantes y alegres; el tema, libre, aunque predominaran las vistas de París y los
paisajes. Vincent se puso a experimentar en seguida en la práctica las ideas de los
neoimpresionistas, que había conocido a través de Paul Signac. Puntos de color quebrado
empezaron a verse en sus lienzos, y pinceladas nerviosas, como si se hubieran aplicado con
prisa. Esta tendencia fue aumentando.
Van Gogh llegó a París en un momento en que los artistas jóvenes estaban desarrollando
una serie de ideas que iban más allá del impresionismo, y en que los artistas ya
consagrados, como Monet y Renoir, empezaban a explorar estas nuevas ideas. Vincent se
interesó por ellas, pero prefirió seguir una línea más personal, influido por los
grabados japoneses entonces de moda en París. El cubrimiento de amplias zonas del lienzo
con un color puro y la elección de temas populares hicieron que el artista considerara
estos grabados como obras no puramente decorativas, sino
susceptibles de un análisis más profundo: eran un edén de luz y color.
Las tensiones y luchas existentes en la vida artística parisina de la época entre las
distintas tendencias disgustaron a Van Gogh, que decidió marchar al sur de Francia a
buscar su propio Japón de luz y color. Allí esperaba encontrar una comunidad de artistas
que colaboraran entre sí, como la Escuela de Barbizon, la de La Haya y los talleres de
grabadores japoneses. Al pintor le atraía el sur, y sentía que había encontrado su
Japón: pero también le recordó a su Holanda natal. Escribió a su hermana que lo que
había aprendido en París no le servía, y en sus cartas a Theo decía que la campiña de
Provenza le recordaba las obras de Ruisdael y Hobbema. En los paisajes pintados por Van
Gogh en esta época aparecen las mismas llanuras inmensas que en los dos pintores
holandeses del siglo XVII; además, se repite el motivo holandés de los puentes
levadizos, que habían sido construidos en Provenza
por ingenieros venidos de los Países Bajos.
En 1888 Vincent convenció a Paul Gauguin de que se reuniera con él en
Arles con el fin
de fundar una sociedad de artistas que llevaría el nombre de «Estudio de los
trópicos». Pero los dos artistas tenían distintos puntos de vista sobre pintura, y esto
se tradujo en violentas discusiones que Van Gogh calificó de «eléctricas». Gauguin
queda liberar al arte de su dependencia de la naturaleza, mientras que el pintor holandés
había dedicado su carrera al estudio naturalista de la realidad que le rodeaba. Había
escrito a Émile Bemard: «Podemos (y los antiguos pintores holandeses ya lo hicieron)...,
podemos pintar un átomo de caos, un caballo, un retrato, manzanas, un paísaje, a tu
abuela...» Él creía que estos temas podían ser transformados, mediante el color y el
sentimiento, en símbolos. Por ejemplo, el jarrón de flores más sencillo que Van Gogh
pintó, Los girasoles, es una bellísima evocación del sol que se puede considerar
única en la historia del arte. Sin embargo, sigue siendo «un átomo de caos» observado
con humildad y amor.
Luego de cortarse la oreja por una discusión con Gaughin, fue encarcelado y posteriormente
liberado ; más tarde volvería a ser encarcelado a petición del pueblo de
Arles, y finalmente ingresó voluntariamente en el hospital psiquiátrico de St. Paul, en
St. Remy. La enfermedad de Van Gogh se caracterizaba por frecuentes ataques, seguidos de
períodos de letargo e inactividad, a su vez seguidos de una completa lucidez y una
sorprendente actividad. Se ha dicho que era esquizofrenia, epilepsia o una tara familiar
hereditaria. El escaso desarrollo de la psiquiatría en esa época dificulta el
conocimiento de su enfermedad, pero es probable que Van Gogh padeciera un tipo de
epilepsia temporal cuyos síntomas a menudo recuerdan los de la esquizofrenia. Es posible
que su «locura» no afectara directamente a su arte; pero esta experiencia y el miedo a
futuros ataques, con la consiguiente depresión, inevitablemente tuvieron que
desequilibrarle.
Van Gogh pintó en St. Remy y se observa un cambio en su estilo: los tonos se hacen más
sombríos y las formas están agitadas, como si tuvieran energía propia y escaparan al
control del artista. Las nubes se retuercen en un cielo tormentoso y los cipreses suben
hacia el cielo como si fueran de fuego. Resulta significativo que Van Gogh volviera a
inspirarse en temas de su primera época y en artistas como Millet, Rembrandt y Delacroix,
cuya obra tradujo en sus cuadros con su propia paleta. Pidió a Theo que le enviara
dibujos antiguos y volvió a pintar campesinos, cabañas y paisajes, reunidos bajo el
título de «Recuerdos del Norte». También dibujó de memoria una versión de Los
comedores de patatas. Una de sus obras más importantes de este período es la copia del
aguafuerte de Rembrandt La resurrección de Lázaro. En él, Rembrandt se servía
de un rayo de luz para simbolizar el poder que emana de Cristo. Van Gogh elimina la figura
de Cristo, sustituyéndola por un gran sol amarillo, cuya luz, representada por un dorado
que inunda la pintura, simboliza la fuerza de la vida. Así, transforma a Rembrandt a
través del sol; el norte y el sur se juntan; la religión, el arte y la naturaleza forman
una unidad.
Van Gogh volvió al norte en mayo de 1890. Pasó por París, vio algunas exposiciones y
visitó a su cuñada por primera vez antes de marchar a Auvers. En este pueblecito de las
afueras de París fue tratado por su amigo, el Dr. Gachet, que era médico, pintor y amigo
de los impresionistas. Van Gogh trabajó mucho en este período, realizando dibujos y
pinturas a un ritmo de uno a dos por día. Sabiendo que se suicidó en julio de ese mismo
año, se está tentado de mirar esta fase de su carrera con otros ojos, intentando
descubir en sus luminosos y enérgicos cuadros premoniciones y augurios. A Vincent le
preocupaba su hermano Theo, que había sido su único apoyo financiero durante los
últimos diez años. La angustia de la dependencia económica, la sensación de fracaso,
el miedo al futuro y a posibles nuevas crisis, con el consiguiente riesgo de no poder
seguir trabajando, debieron de pesar mucho, comprensiblemente, en su ánimo. En una de sus
últimas canas, Van Gogh se muestra preocupado por la vulnerabilidad de los artistas
frente al mercado artístico. Ciertamente algunas de sus pinturas de esta época expresan
desolación y vacío.
El 27 de julio de 1890 Vicent intentó suicidarse con una pistola: murió de resultas de
las heridas dos días después, en brazos de Theo, a los treinta y siete años. La
tragedia de su muerte ha oscurecido su vida, y su obra a menudo parece acompañada de una
etiqueta invisible que dice: «Esto fue pintado por un hombre que estaba loco y se
suicidó». Van Gogh fue un gran dibujante y un colorista brillante. Al principio su
estilo es vigoroso, con perfiles marcados, pero se hace más flexible al empezar a dibujar
paisajes. En ellos la técnica es variada, consistiendo en miles de toques diferentes:
puntos, manchas de color, pinceladas sinuosas, etc. La combinación de estos elementos
crea una sensación de energía, movimiento, vibraciones intensas. El período más
conocido de Van Gogh, desde el punto de vista de su pintura, es la época de Arles
(1888-89). En ella combinó sus conocimientos técnicos de las nuevas teorías sobre el
color con el gusto por los grabados japoneses de colores intensos, el estudio de la obra
de Eugéne Delacroix y sus temas preferidos: girasoles, campesinos y vistas del mar que
contempló y observó en el sur. Van Gogh era muy sensible al color, del que se quería
servir para expresar algo más que la mera apariencia de las cosas. Con este fin empleó
combinaciones cromáticas casi simbólicas; por ejemplo, en el retrato de un amigo colocó
una cabeza exageradamente
rubia sobre un fondo de color azul intenso para crear «el misterioso brillo de una
estrella pálida en el infinito».
Queria incorporar a sus cuadros la energia de sus dibujos. Por eso aplicaba al lienzo
colores brillantes con pinceladas nerviosas, creando formas sinuosas, resplandecientes
estrellas y soles rodeados de halos y rayos y cipreses con ramas como lenguas de fuego
En Arles, se vuelve más personal. Desde su ásilo, según los períodos y los permisos
que obtiene para salir, pinta retratos, auto-retratos, su cuarto, el jardín del asilo,
los campos que ve desde su ventana, eventualmente, el pueblo. Sus cartas muestran que
cuidaba tanto la composición como la selección de los colores que carga de valor
símbolico. El amarillo es su color favorito.
Caracteristicos de su técnica son:
- los contornos que limitan las figuras,
- las pinceladas fuertes, largas y
espesas,
- un gusto tal por las lineas curvas que
llega a deformar los objetos
- una carga emocional dificil de negar.
Entre sus obras más importantes
figuran:
- "Noche estrellada",
- "La silla vacía",
- "Mi recamara",
- "Los cipreses",
- "El sembrador", y
- "Los girasoles".
La pincelada tiene una importancia capital en la obra de Van Gogh; la utiliza de maneras
distintas, unas veces en forma de lastra, como Courbet, otras en forma de coma, como los
impresionistas. A menudo dibuja con pequeños toques, que lo distinguen de los otros, para
quienes la pincelada no sirve mas que para velar un
dibujo preliminar a la forma. Tanto para los dibujos
como para las pinturas, Van Gogh usa las mismas pinceladas quebradas, los mismos arabescos
y el punteado.
La naturaleza que él pinta vive una vida misteriosa y agitada, los objetos aparecen
impregnados de angustia en un silencio profundo en el cual reina la tensa
expectativa de
otra cosa, de aquella "vida negra" que tan a menudo sueña.
Descubre que la manera de representar la profundidad y la distancia únicamente con el
color puro, sin recurrir a las formas y a los convencionalismos simbólicos.
Van Gogh realiza algunas descripciones propias de sus cuadros, que las caracteriza en las
siguientes citas:
Sobre la Noche estrellada:
"Aquí agrego un pequeño boceto de una tela cuadrada de 30 cm y el cielo estrellado
pintado la misma noche, con la luz de una lámpara de gas. El cielo es verde-azulado, el
agua es azul intenso, los terrenos son de color malva. La ciudad es azul y violeta, el gas
es amarillo y algunos reflejos de oro rojo se transforman en bronce verdoso. Sobre la
llanura azul-verde del cielo, la Osa Mayor tiene un centelleo verde y rosa, cuya discreta
palidez contrasta con el oro brusco del gas. Hay dos figuras coloridas de enamorados en
primer plano."
Sobre el Dormitorio de Vincent:
Una carta escrita a Gaughin:
"Hice, para mi uso, un cuadro de 30 cm de largo, de mi dormitorio, con los muebles
que conoces."
"Bien, me divirtió muchisimo hacer este interior sin nada, con una simplicidad a
lo
Seurat, con tintas comunes pero extendidas groseramente, con empaste lleno, los muros de
un lila pálido, el piso de un rojo quebrado y descolorido, las sillas y la cama amarillo
cromo, los almohadones y la sábana de un verde limón muy pálido, la manta rojo sangre,
el tocador anaranjado, la palangana azul, la ventana verde. Hubiera querido expresar un
reposo absoluto con estos tonos tan diversos; lo ves, el blanco sólo está en la pequeña
nota dada por el espejo con el marco negro…"
"El color aquí debe crear la cosa y al lograr su simplificación, dar un estilo
más alto a las cosas; sugiere el reposo o el sueño en general. En suma, la vista del
cuadro debe descansar la mente o mas bien la imaginación (…), ves que simple es la
concepción. Sombras y sombras proyectadas están anuladas, está coloreado con tintas
comunes y firmes como las telas pintadas".
Puedo observar en estas minuciosas descripciones una gran agudeza en inteligencia, como se
muestra tambien en otras cartas del pintor. Además, posee una gran riqueza expresiva, y
una forma de descripcion muy interesante y atrapante.
Otro tema con respecto a la vida de Van Gogh fue la fuerte influencia que tuvo el pintor
Gaughin sobre él. Influyó en su encuentro en Arles; y desde entonces trabajó de manera
diferente.
"Trabajo con frecuencia con la imaginación, y estas telas son siempre toscas y
tienen un aire más artistico que los estudios de la realidad, sobre todo cuando se
trabaja con el mistral". "…Mi amigo Paul Gaughin…vive ahora
conmigo….Me estimula a trabajar, a menudo sólo con la imaginación"
En el momento en que Van Gogh pinta sus girasoles, cuando Gaughin retrató al amigo, en el
maravilloso retrato que hizo de el en Arles, demostrando asi, no obstante,[ las trágicas
incompresiones que estaban surgiendo entre los dos hombres], ser el más capacitado para
comprender a Van Gogh.
Theo le habia pedido a Gaughin que viajara a Arles para pasar una temporada con Vincent.
Theo que estaba muy preocupado por la salud de su hermano, le ofreció a Gaughin 150
francos mensuales si se quedaba en Arles junto a Vincent y le enviaba un óleo cada
treinta días.
Hacia Gaughin, [5 años mayor que el], Vincent experimentaba un sentimiento mezcla de
admiración, respeto y sometimiento, a veces, con algún
impulso de rebelión.
Sin embargo, a pesar de la buena relación que existía entre aquellos, se generaron
algunas discusiones, con lo cual una de ellas, el 23 de diciembre de 1888, culminó con un
gesto exasperado de Van Gogh: se cortó una oreja después de amenazar a su amigo.
Enfurecido más que apenado por todo lo que habia sucedido, Gaughin regresó a Paris.
"Yo no tengo
la culpa de que mis cuadros no se vendan.
Pero llegará el día en que la gente se dará cuenta de
que tienen más valor de lo que cuestan las pinturas."
Vincent van Gogh
Home
Paul Gaughin
(1848-1903)
El pintor francés Paul Gauguin fue
también escultor, ceramista y grabador. Nació en París; su madre era Aline-Marie
Chagal, hija de la activista política Flora Tristan (1803-44) y del grabador André
Chagal. Los padres de Gauguin decidieron emigrar al Perú en 1851, abandonando la Francia de Luis Napoleón: su padre, Clovis
Gauguin, periodista liberal, murió en el viaje. En Perú, los parientes de la madre,
ricos e influyentes, proporcionaron un paraíso tropical al pequeño Paul, que lo
añoraría toda su vida. Tenía seis años cuando su madre volvió con él a Francia.
Gauguin abandonó el colegio a los diecisiete años; fue marino mercante de 1865 a 1867, y
sirvió a la marina francesa de 1868 a 1871. Al morir su madre (a los cuarenta y un años)
en 1868, un rico banquero, Gustave Arosa, se convirtió en su protector legal. Gracias a
él, Gauguin entró en una oficina de agentes de Bolsa en 1871. Dos años después se
casó con Mette Sophie . Gad, una institutriz danesa a la que conoció a través de Arosa;
en 1874 nació el primero de sus cinco hijos.
Hacía poco que se había casado cuando Gauguin se convirtió en pintor aficionado; en el
mundo de la pintura también lo introdujo Arosa, quien le impulsó a asistir a clases
noctumas. Expuso en el Salón de 1876, y por esa época conoció a Pissarro. En 1879
expuso con los impresionistas y contribuyó regularmente en las últimas cuatro
exposiciones del grupo, realizadas entre 1880 y 1886.
El gozar de una posición económica moderadamente desahogada, empezó a coleccionar
cuadros de Manet, Monet, Renoir y Degas, comprando una o dos obras de cada uno. Pero sus
pintores favoritos eran Cézanne y Pissarro. Las primeras pinturas de Gauguin presentan
fuertes influencias de estos dos pintores y de Degas. En 1883 dejó su trabajo para
dedicarse exclusivamente a la pintura. Al año siguiente
se trasladó a Rouen, y de aquí pasó a Copenhague; pero no consiguió encontrar clientes
en estas dos ciudades y, humillado por sus parientes daneses, regresó a París en 1885.
Alejado de su familia y ahogado por la miseria y las deudas, enfermo y nostálgico del
paraíso tropical de su infancia, a partir de 1886 Gauguin vivió entre la esperanza y la
desesperación.
Su odisea le llevó a Bretaña, Provenza, las Indias occidentales y, por último, a
Oceanía. Entre 1886 y 1891 estuvo en Pont Aven y Le Pouldu (Bretaña), con paréntesis en
Panamá y Martinica en 1887, dos meses pasados con Van Gogh en Arles (octubre- diciembre
de 1888) y frecuentes estancias en París. Sus obras bretonas siguen reflejando las
lecciones aprendidas de Pissarro y Cézanne. Pero su naturaleza infatigable y curiosa le
llevó a buscar nuevos medios de expresión pictórica. Durante estos años se entusiasmó
con los grabados japoneses y el arte de Java e Indonesia que vio en la Feria Mundial de
París de 1889. Su arte se refrescó al entrar en contacto con los poetas simbolistas
Mallarmé, Morice y Moréas, y tomó impulsos simbolistas y religiosos de dos jóvenes
amigos, Bemard y Aurier. Dos holandeses le ayudaron financieramente, el marchante Theo van
Gogh y el artista Meyer de Haan.
Gauguin nunca fue un artista prolífico: en total, su obra está compuesta por poco más
de 600 cuadros y pasteles. Tampoco su evolución fue lineal: de repente podía avanzar por
un terreno estilístico aún inexplorado para retirarse en cualquier momento. Sus
paisajes, naturalezas muertas y retratos no tienen un simbolismo deliberado. Su
utilización del color es, a menudo, arbitraria; su línea, simplificada y abrupta.
Palabras como «sintetismo» y «cloissonisme» describen su arte en esta época: más
tarde sería postimpresionista. Comparte con los impresionistas el gusto por los colores
puros pero muy pronto desarrolla su propio estilo. Enmarca las formas en contornos
oscuros; en vez de pinceladas pequeñas, usa amplias manchas de colores sorprendentes:
rojos con anaranjados, azules con verdes... descarta el volumen y la perspectiva. Las
escenas que pinta sugieren simbolismo, mas éste queda bastante hermético.
Una vez Gauguin dijo de sus cuadros bretones: «Amo Bretaña. La considero salvaje y
primitiva. Cuando mis zuecos pisan su suelo de granito, oigo la fuerte y vibrante nota que
estoy buscando en mis cuadros.» El significado principal de su viaje a bretaña, era,
sobre todo, la afirmación de la propia necesidad de independencia, la rotura con el orden
burgués, el deseo de volver a hallar, en un ambiente simple y natural, las verdades
elementales, gracias a las cuales el ertista podría manifestar lo que siente y volver a
encontrar la forma de expresión más acorde con él.
Entre los cuadros importantes de este período cabe citar Visión tras el sermón o Jacob
luchando con el ángel, Cristo amarillo, Cristo en el huerto de los Olivos y Pérdida de
la virginidad . Gauguin y su amigo Meyer de Haan colaboraron en la decoración del gran
comedor de un albergue bretón con un estilo vanguardista, no naturalista.
Las cerámicas de Gauguin y sus esculturas, especialmente el relieve en madera titulado
Enamórate y serás feliz (1889; Museum of Fine Arts, Boston), son un ejemplo de su
tendencia simbolista. A menudo teorizó sobre arte en cartas escritas a sus amigos,
y en artículos y manuscritos ilustrados.
La búsqueda, por parte de Gauguin, de un paraíso tropical le llevó a organizar una
subasta de sus obras en París, en 1891. En junio de ese mismo año se encontraba en
Tahití, donde permaneció hasta el mes de agosto de 1893. No encontró allí un paraíso
o un arte primitivo, ni tampoco unos cultos autóctonos. Por tanto, tuvo que crear sus
propios mitos, su propia serie de alegorías, alternadas con paisajes, naturalezas muertas
y retratos. Se llevó a Oceanía fotos de obras de arte griego, romano y egipcio, de
cuadros de los pintores franceses del siglo XIX (Delacroix, Degas, Puvis de Chavannes) y
de los relieves budistas del templo de Borobudur, en Java.
Un estudio de la sociedad tahitiana publicado en 1837 constituyó la base de su manuscrito
ilustrado, Antiguo Culto maorí. A partir de esta obra compuso el relato
semiautobiográfico y semiimaginario de su primer viaje a Tahití, Noa Noa (Fragancia).
Para ilustrarlo realizó varios grabados en madera que han sido fundamentales en la
historia de dicha técnica. En noviembre de 1893 se expusieron en París las obras
pintadas por Gauguin en Tahití, impresionando a los críticos por sus brillantes colores
planos, sus exóticos temas, sus títulos esotéricos (a menudo en idioma tahitiano) y su
simbolismo. Cuenta que hizo un recorrido de la isla acompañado por una mestiza que
hablaba francés, Titi. Finalmente se instaló en Mataiea, a 45 kilómetros de Papeete.
Titi pidió quedarse con él, pero Gaughin la encontraba demasiado "civilizada"
para sus aspiraciones del primitivismo. En la costa oriental de la Isla conoció a una
familia indigena que le ofreció como vahiné (mujer) a Teha´amana, una niña de trece
años. La adolescente lo introdujo en las costumbres y creencias de su pueblo.
Narra Gaughin: " Un dia tuve que ir a Papeete. Habia prometido regresar la misma
noche, pero el coche que tomé me dejó a mitad de camino; debí hacer el resto del
trayecto a pie. Llegue a casa a la madrugada (…) Inmóvil, desnuda, acostada sobre el
vientre, los ojos desmesuradamente abiertos por el miedo. Teha´amana me miraba y parecia
no reconocerme. (…) Los terrones de ella me contagiaban, me parecía que una
luminosidad fosforecente emanaba de sus ojos de mirada fija…" Asi es como la
retrata en Los espíritus de la muerte velan.
La primera estada de Gaughin en Tahití tuvo momentos muy dramáticos. Enfermo (escupía
un cuarto litro de sangre por dia), debió se internado en el hospital de allí. Lo
abandonó por falta de dinero. Si bien trabajaba sin descanso, sus cuadros no encontraban
comprador.
Por último, Gauguin regresó a Bretaña en 1894; desgraciadamente se dislocó un tobillo,
y luego -tras una nueva subasta de sus obra- volvió a Tahití (junio de 1895). Trabajó a
un ritmo más lento durante su segunda estancia allí, pintando sólo 100 cuadros entre
1885 y 1903, frente a los 90 ejecutados entre 1891 y 1893. Al regresar quiso conseguir
nuevamente a Teha´amana. Pero, esta asustada de la eczema que volvía loco a Gaughin, lo
abandonó. A comienzos de 1896, Paul tomó como vahiné a Pahura, una joven de 14 años.
Ahora sus cuadros tienen una organización espacial más complicada, aunque el color y la
atmósfera suelen ser más sombríos que en obras anteriores. Por dimensiones y estilo
parecen más bien murales. Las privaciones y las enfermedades siguieron minando la salud
del artista. El año 1897 fue desastroso para él, culminando con la noticia de la muerte
de su hija favorita, Aline, y la ruptura final con Mette. Totalmente desesperado, pintó
su obra más grande, más ambiciosa y más filosófica: ¿De dónde venimosl? ¿Qué
somos? ¿A dónde vamos?. Sobre este cuadro escribió Gauguin: "Mi sueño es
intangible, no es una alegoría. Citando a Mallarmé: es un poema musical que no necesita
libreto". Acabada la obra, cometió sin éxito un intento de suicidio. Pintó poco
durante sus últimos años en Tahití (y nada en 1900). Pero en 1901 se traslado a las
Islas Marquesas y, algo mas animado, pintó varios lienzos importantes en sus dos últimos
años de vida. Siguió esculpiendo, y en enero de 1903 terminó una obra autobiográfica,
Adelante y Atrás. Despues de su muerte una gran exposición retrospectiva , celebrada con
ocasión del Salon de Otoño de 1905, garantizó su influencia en el arte del siglo XX.
-
-
-
-
-
|
